Travailler un morceau à la maison avec une boucle A/B
Il y a une mesure du morceau que tu n’arrives pas à jouer. Tu sais exactement laquelle. Tu as joué le morceau en entier onze fois cette semaine, tu t’es planté onze fois au même endroit, et chaque essai t’a coûté trois minutes et demie.
Ça fait quarante minutes pour travailler un passage d’une vingtaine de secondes.
La boucle règle le calcul. Pose une boucle sur ces quatre mesures et tes quarante minutes deviennent deux cents répétitions de ce que tu ne sais pas faire, au lieu de onze passages sur ce que tu sais déjà faire. La technique est vieille, toutes les routines de travail sérieuses l’utilisent, et si plus de gens ne s’en servent pas, c’est que poser une boucle a longtemps été une galère.
Une boucle serrée d’abord, puis tu élargis
Le premier réflexe, c’est de boucler la mesure où ça rate. C’est rarement la bonne boucle.
La plupart des erreurs ne se produisent pas là où on les entend. Si tu rates la première note de la mesure 33, le problème vient souvent du changement de position à la fin de la mesure 32, ou de la respiration que tu n’as pas prise. Boucle seulement la 33 et tu vas t’entraîner deux cents fois à te rattraper après une mauvaise approche. Tu deviendras très fort pour te rattraper.
Une boucle qui marche commence une mesure avant le problème et finit une mesure après. Elle contient l’approche, le passage lui-même et la sortie. Elle est assez longue pour rester musicale et assez courte pour qu’une répétition ne coûte que quelques secondes.
Une fois que le passage tient, élargis la boucle. Deux mesures avant, deux après. Puis toute la phrase. Puis la partie entière. Ce que tu travailles, ce ne sont pas les notes, ce sont les enchaînements pour y entrer et en sortir, et chaque élargissement ajoute un nouvel enchaînement.
Ralentis, et sois honnête sur combien
Baisser le tempo, c’est l’autre moitié. La règle qu’on répète partout, c’est de ralentir jusqu’à pouvoir jouer parfaitement. Elle est juste, mais tout le monde triche sur ce que veut dire « parfaitement ».
Parfaitement, ça veut dire : les bonnes notes, le bon rythme, pas de tension dans la main, et tu n’as pas besoin de te concentrer à fond. Si tu te concentres à fond, c’est encore trop rapide. Le conseil n’est pas agréable, parce que le tempo où c’est vraiment facile est souvent ridiculement lent, et la tentation est de rester à 80 % là où ça passe à peu près.
80 %, c’est le pire endroit pour travailler. C’est assez rapide pour faire des erreurs et assez lent pour ne pas les remarquer, du coup tu répètes une version légèrement fausse jusqu’à ce qu’elle soit gravée.
Une échelle qui fonctionne :
- Trouve le tempo où c’est vraiment facile. Peu importe s’il est lent.
- Dix répétitions propres.
- Monte d’environ cinq pour cent.
- Pas propre ? Redescends et refais-en dix.
L’échelle complète prend vingt minutes et avance plus vite qu’une heure d’essais à pleine vitesse. Ce que tu ne peux pas faire, c’est sauter la première étape.
Il y a une exigence technique cachée là-dedans : changer le tempo ne doit pas changer la hauteur. Ralentir un fichier audio de façon naïve fait baisser la tonalité, donc tu travailles sur un fond trop bas et ton oreille apprend de faux intervalles. Tout outil qui vaut quelque chose fait de l’étirement temporel sans toucher à la hauteur.
Change la tonalité quand le morceau n’est pas dans la bonne
Le troisième outil sert moins souvent et règle une série de problèmes bien précis.
Le chanteur a besoin que ce soit plus bas. L’enregistrement est en si et ça tombe mal dans sa voix. Travailler en si pour jouer ensuite en la, c’est entraîner les doigts et l’oreille sur autre chose que ce que tu joueras.
Tu relèves à l’oreille un enregistrement qui n’est pas au diapason. Les vieux disques sont parfois un peu trop hauts ou trop bas. Une demi-heure passée à chercher un accord qui se trouve entre deux cases, c’est du temps perdu.
Les instruments transpositeurs. Un saxophoniste alto qui bosse sur un enregistrement fait la transposition de tête en même temps qu’il apprend sa partie.
Décaler par demi-tons, c’est une petite fonction qui supprime toute une catégorie de galères, et là encore il faut le faire sans flinguer le tempo.
Marque les endroits pour y revenir demain
C’est la partie qu’on saute facilement et celle qui rapporte le plus : quand tu as trouvé le passage, marque-le.
Le travail se fait sur des semaines. Si chaque séance commence par deux minutes à fouiller la prise pour retrouver le bout sur lequel tu bossais, tu le feras peut-être quatre fois avant de laisser tomber. Si l’endroit a un marqueur, tu ouvres la prise et tu y es.
Les marqueurs servent encore plus quand ils sont classés selon ce qu’ils veulent dire. Dans Band Companion, ils ont des catégories : erreurs à corriger, bons moments, notes d’arrangement. Ce sont trois choses vraiment différentes :
- Erreurs à corriger, c’est ta liste de travail. Tu ouvres le morceau, tu vois quatre marqueurs, tu les passes un par un.
- Bons moments, c’est ce que tu veux garder. La prise où la fin est tombée pile. Pratique quand le groupe doit choisir la version à retenir.
- Notes d’arrangement, c’est pour le groupe plutôt que pour toi. « On coupe le deuxième solo ici. » « La basse rentre une mesure trop tôt. » Accroché à la seconde près, pas au souvenir d’un mardi soir.
Travaille sur ton groupe, pas sur le disque
Voilà ce qui change le travail plus que tous les outils qui précèdent.
La plupart des gens travaillent sur l’enregistrement original. C’est le choix évident et souvent le mauvais, parce que ton groupe ne joue pas le morceau comme sur le disque. L’intro est plus courte. Il n’y a pas de cordes. Le deuxième couplet est un demi-ton plus haut parce que c’est là que ça passe pour ta chanteuse. Le solo fait huit mesures, pas seize.
Bosse sur le disque pendant quatre semaines, puis va en répète : tu joueras avec assurance la version du disque pendant que tous les autres joueront la vôtre.
Travailler sur la prise de répétition de ton propre groupe règle ça, et c’est la raison concrète d’enregistrer les répètes au départ. C’est expliqué dans comment enregistrer les répétitions du groupe avec son téléphone : une prise rangée dans le morceau, datée, avec le tempo détecté, et une marquée comme la version sur laquelle vous vous êtes mis d’accord. C’est cette prise-là que tu mets en boucle.
La prise est moins bonne que le disque. Quelqu’un tousse, la batterie est trop forte, la pièce sonne comme une pièce. Mais c’est l’arrangement réel, et pour ce travail-là elle vaut plus qu’un enregistrement parfait d’une autre version.
Une routine qui tient en vingt minutes
Pour un passage difficile, un soir de semaine :
- Ouvre la prise retenue par le groupe. Va au marqueur.
- Pose la boucle une mesure avant et une mesure après.
- Baisse le tempo jusqu’à ce que ce soit facile. Vraiment facile.
- Dix répétitions propres. Plus cinq pour cent. Recommence.
- Quand ça tient au tempo réel, élargis la boucle à toute la phrase et joue-la trois fois.
- Déplace le marqueur vers ce qui est maintenant le point le plus faible, ou supprime-le s’il n’y en a plus.
L’étape six, c’est ce qui fait que la prochaine séance reprend là où celle-ci s’est arrêtée, et c’est celle que tout le monde saute.
Quand les passages tiennent et que la question devient l’ordre dans lequel jouer les morceaux, on passe à la setlist et l’agenda des concerts.
Questions fréquentes
C’est quoi, une boucle A/B ?
Deux repères (A et B) qui délimitent un bout d’audio qui se répète en continu. Tu places A juste avant un passage et B juste après, et le lecteur rejoue ce bout en boucle pour que tu puisses le travailler sans rejouer tout le morceau à chaque fois.
Ralentir un morceau change-t-il sa hauteur ?
Ça dépend de l’outil. Un ralentissement naïf fait baisser la hauteur, ce qui habitue ton oreille à de faux intervalles. Un vrai étirement temporel sépare le tempo de la hauteur : tu peux ralentir un morceau d’un tiers et il reste dans la même tonalité. C’est pour ça que Band Companion règle le tempo et la tonalité séparément.
À quelle vitesse travailler un passage difficile ?
Assez lentement pour que ce soit facile sans te concentrer. En général, c’est plus lent que ce qui te paraît raisonnable. Travailler à la vitesse où tu fais de petites erreurs est pire qu’inutile, parce que tu répètes les erreurs en même temps que les notes.
Je travaille sur l’enregistrement original ou sur la version de mon groupe ?
Sur la version du groupe, dès que tu en as une. Les groupes changent les arrangements, les tonalités et les longueurs, et travailler sur le disque revient à apprendre une version que personne ne joue en répète. L’original reste la meilleure référence pour le son et le feeling, et une mauvaise référence pour ce qui se passe vraiment le soir du concert.
Je peux changer la tonalité d’un enregistrement pour l’adapter à ma chanteuse ?
Oui, en décalant par demi-tons, ce que fait n’importe quel lecteur pensé pour le travail. Ça vaut mieux que de transposer de tête, parce que le but du travail, c’est que la partie devienne automatique, et faire du calcul mental en jouant empêche justement ça.